Arsenevich

23 mayo 2013

Andrei Tarkovsky - Stalker (1979)

Ruso | Subs: Castellano/English .srt + Subpack varios idiomas*

113 min | XviD 640x480 | 1500 kb/s | 96 kb/s AC3 | 25 fps

CD1+CD2+CD3 = 2,48 GB + 3% recuperación

Cerca de una pequeña ciudad rusa cayó un meteorito. Desde entonces, La Zona ha sido acordonada por el ejército prohibiéndose su entrada a toda la población. Existe la creencia de que en La Zona hay una Habitación donde el que entra puede ver hechos realidad todos sus deseos. Los Stalkers o guías se encargan de sortear todos los peligros y conducir hasta La Habitación a aquellos que lo desean.

El rodaje de Stalker, uno de los filmes más logrados del genio ruso, estuvo plagado de incidentes. En un principio la película debía rodarse en el desierto de Tayikistán, pero continuos temblores de tierra provocaron que se filmara finalmente en una región de Estonia. Además, entre 1977 y 1978, Tarkovsky filmó la película entera, pero un error (acaso intencionado) provocó que las imágenes no pudieran utilizarse, lo que obligó al creador de Offret a rodar todo desde el principio, con el inconveniente de que el presupuesto con el que contaba se redujo bastante.

La película es una adaptación del relato Picnic a la vera del camino de los hermanos Arkadi y Boris Strugatski, que escribieron el guión junto con Tarkovsky, quien se preocupó por reducir al máximo los elementos de ciencia-ficción de la obra, ya que este género no era de su interés.

Como resultado nos encontramos ante una de las películas más fascinantes de la historia del cine, una especie de parábola acerca de la falta de fe del hombre moderno.

Tarkovsky manifestó en una ocasión que no entendía el suicidio espiritual al que estaba abocada la sociedad moderna. Esta preocupación se volvió cada vez más intensa en su interior, y se refleja fundamentalmente en sus tres últimas películas.

"Stalker es una de esas escasas obras cinematográficas que demuestran por qué el cine debe ser considerado como la gran manifestación artística del siglo XX". - Ricardo Pérez en Esculpiendo el Tiempo. Aquí se puede leer la nota completa.

*Castellano, English, French, Russian, Italian, Dutch, Japanese,
Swedish, German, Portuguese, Hebrew, Chinese & Arabic

With Stalker, Russian director Andrei Tarkovsky returns to the mind-bending, philosophy-tinged science fiction of Solaris. The setting is an unnamed country in an unforeseen postapocalyptic future. A meteorite has landed, and its impact has created a mysterious phenomenon known as the Zone, within which resides a sinister room said to grant humanity’s deepest desires. Only Stalkers are able to enter the Zone, bringing intrepid citizens to test their strength and desires against the Zone’s enigmatic treacheries.

The film follows one such Stalker (Alexander Kaidanovsky) as he attempts to bring two characters known as Writer (Anatoli Solonitsyn) and Scientist (Nikolai Grinko) into the Zone. The hapless trio makes a difficult and mud-drenched journey, dodging military guards and invisible traps and enduring extreme psychological strain. While Tarkovsky avoids any direct political reading of Stalker, the film’s allegorical structure presents a powerful and disturbing metaphor for humanity’s loss of and subsequent quest for faith. The Stalker’s struggle to rescue himself and his family while guiding those more wretched than himself creates a physical and metaphysical drama that leaves the viewer breathless.

Blending visual, narrative, and cinematic conventions to portray the fractured logic of the Zone, Tarkovsky conjures a universe of despair and desire in which science, rationalism, and technology must face off against love, humanism, and faith. (Rotten Tomatoes)

DVD rip y capturas de Daeron (KG)

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Andrei Arsenevich en su blog

Ivanovo detstvo
Solyaris
Zerkalo HD
Zerkalo (DVD rip)
Nostalghia
Tempo di viaggio (c/ Tonino Guerra)

22 mayo 2013

Phil Karlson - Kansas City Confidential (1952)

Inglés | Subs: Castellano (muxed) + English/Français/Português .srt

99 min | mkv-X264 640x480 | Bitrate total 735 kb/s | 48.0 KHz AAC | 23.97 fps

522 MB + 3% recuperación

El cuarto hombre/ Los cuatro desconocidos

Un individuo que planea el atraco de un coche blindado busca a tres criminales para que lo ayuden a dar el golpe: Peter Harris, Boyd Kane y Tony Romano. Con el rostro cubierto y por separado, se entrevista con cada uno de ellos para proponerles el negocio. Todos los asaltantes llevan el rostro cubierto, por lo que únicamente el jefe conoce la identidad de los integrantes de la banda. Después de llevar a cabo la acción, se separan a la espera de recibir instrucciones. Cuando las cosas se "enfríen" se materializará el reparto del dinero, más de un millón de dólares...

Phil Karlson es uno de esos nombres menores en la historia del cine que bien merecen una pequeña mención, en este caso por algunas de las películas de cine negro que filmó en los años 50. A diferencia del estilo más barroco y estilizado del cine negro clásico de los 40, Karlson plantea el género de una forma realista, cruda y sumamente violenta. En sus mejores films la tensión se nota en cada plano. En ese sentido su visión del género encaja con la evolución que éste fue sufriendo a lo largo de los años adaptándose a los nuevos tiempos. Cuanto más permisivo se volvía Hollywood a la hora de mostrar el mundo criminal, menos se necesitaba el estilo del cine negro, que bajo sus sombras escondía un submundo de puro caos y violencia.

El Cuarto Hombre, seguramente su mejor obra, no se anda con medias tintas: expone un argumento claro y conciso y hace estallar la violencia en la cara del espectador. El protagonista es Joe, un ex convicto acusado de un atraco a un banco del que es inocente. Pese a que se demuestra que no es culpable, su detención le hace perder su trabajo, así que decide encontrar a los culpables. Pero no será tarea fácil: el atraco fue planificado minuciosamente por alguien que contrató a tres criminales y les obligó a efectuar el robo con una máscara puesta en todo momento, de forma que al acabar no conocen la identidad ni de la persona que los reclutó ni de sus compañeros, evitando así posibles traiciones. Joe, sin embargo encuentra una pista que le lleva a un pequeño hotel mexicano donde van a repartirse el botín. Leer la nota completa en El Gabinete del Doctor Mabuse

Phil Karlson's low (low) budget, B-grade film noir, opens on a Kansas City armored-car robbery perpetrated by cynical, corrupt ex-policeman Timothy Foster (Preston S. Foster). Foster devises an outrageous scheme: he will recruit three of the most vicious and unrelenting criminals he can find (screen heavies Lee Van Cleef, Jack Elam and Neville Brand) to undertake a robbery, blackmailing them into the heist with incriminating evidence from other "jobs."

"The underrated and potent noir specialist Phil Karlson directed this 1952 action thriller about a bank heist, and though it isn't a patch on his 99 River Street or The Phenix City Story, it's still well worth checking out." (Jonathan Rosenbaum - Chicago Reader)

Le Quatrième homme

Un mystérieux homme au visage couvert réunit trois malfrats pour le braquage parfait : les hommes, qui demeurent masqués et ignorent donc les identités de leurs complices, se séparent une fois le vol commis, seuls quatre rois d'un jeu de carte leur permettant de se reconnaître, quand la police aura abandonné les recherches, pour partager le butin...

Le plan est parfait, à une exception près : un fleuriste, Joe Rolfe, qui avait le tort de conduire une camionnette semblable à celle utilisée par les bandits, est accusé à tort du vol, et décide une fois libéré de traquer les responsables pour prouver son innocence.

Rip del grupo mSD

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Phil Karlson en Arsenevich

The Phenix City Story

21 mayo 2013

Jean Cocteau - Le Testament d'Orphée (1959)

Francès/French | Subs:Castellano/English

77 min | DivX 696x520 | 2384 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps

1,34 GB + 3% de recuperación rar

Un poeta ve que se acerca la hora de su muerte y decide hacer balance de su vida y su obra. Entre sueños de inmortalidad y deseos de nacer de nuevo se suceden toda una serie de surrealistas personajes, en un preciso análisis de las inspiraciones, fobias y obsesiones del artista.

El poeta es exacto. La poesía es exactitud. Desde Baudelaire, el público ha comprendido, poco a poco, que la poesía es uno de los medios más insolentes de decir la verdad. No existe arma de mayor precisión; y para defenderse, con una defensa instintiva, de la angustia de la exactitud y de las claridades reveladoras, se obstinan las gentes en confundir la poesía con la mentira, la viveza de espíritu con la paradoja.
¿Para qué referir una historia que no lleve en sí el peso inimitable de la verdad? ¿Para qué Memorias imaginarias, falsas anécdotas, frases que se equivocan de labios y recuerdos pintorescos? El peso muerto de la inexactitud abruma de fatiga. Muy distinto es el haz de luz de un proyector, que se pasea por la superficie de esa noche acumulada detrás de cada uno de nosotros y que se detiene sobre un rostro, un acto o un lugar significativos, de forma que les dé el máximo de fuerza expresiva y de resurrección.[...] (Jean Cocteau, Fragmento de "Retratos-Recuerdo" 1935)
Tercer título sobre el mito de Orfeo, tras La sangre de un poeta (1930) y Orfeo (1950).La despedida del cine de Jean Cocteau estaba interpretada por el mismo como un enigmático viajero del tiempo, que iba encontrándose con figuras simbólicas de anteriores películas suyas según vagaba en búsqueda de una identidad o de la muerte. El filme retoma las pautas vanguardistas y surrealistas.
El propio Cocteau confiesa en el prologo de El testamento de Orfeo que su filme es una suerte de streap-tease del alma poética, un acto de desnudar su espíritu, sus inquietudes como creador, su conciencia intima. La trayectoria vital y la trayectoria artística son indisociables en este autorretrato. El poeta se convierte en una criatura imposible mas de su imposible universo y se reencuentra con sus fantasmas. Sus fantasmas vuelven a ser el tiempo, la muerte, la disidencia sexual y social, la infancia perdida y recuperada y la belleza, la búsqueda interminable de la belleza. El paso del tiempo, la erosión del tiempo y la incapacidad / capacidad de romper sus leyes cobra una importancia especial en este filme desconcertante, una pieza de cámara inusual en el cine de finales de los cincuenta. Los paisajes desolados, desnudos y fantasmales de El testamento de Orfeo nos retrotraen a los cuadros de Dalí y Chirico transformados por la imaginería del cineasta francés donde no faltan imágenes relamidas, ingenuas y hasta de regusto “kitsch” con iconografía homoerótica sacada de paisajes Lorquianos, cine de Hollywood y decorados deliberadamente artificiosos. La presencia de Picasso y otros grandes iconos de la cultura del momento no debe verse como una efectista “boutade” sino como una verdadera ceremonia de reencuentro del artista con sus monstruos en el lecho póstumo. (Claqueta)

In his last film, legendary writer/artist/filmmaker Jean Cocteau portrays an 18th-century poet who travels through time on a quest for divine wisdom. In a mysterious wasteland, he meets several symbolic phantoms that bring about his death and resurrection. With an eclectic cast that includes Pablo Picasso, Jean-Pierre Leáud, Jean Marais and Yul Brynner, Testament of Orpheus (Le Testament de Orphée) brings full circle the journey Cocteau began in The Blood of a Poet, an exploration of the torturous relationship between the artist and his creations.

"Esta película nada tiene que ver con los sueños excepto que toma prestada la rigurosa ilogicidad de los sueños, su manera de ofrecer, durante la noche, una suerte de frescor a las falsedades del día desdibujado por la rutina. Además, es realista, si realismo significa una pintura detallada de las intrigas de un universo que es único para cada artista y que no tiene relación alguna con lo que acostumbramos a aceptar como realidad. La película no obedece reglas muertas, rindiendo homenaje a todos los que desean permanecer libres. Pone al descubierto una forma de lógica que la razón no reconoce. Para abreviar, es cartesiana por medios anticartesianos." Jean Cocteau

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Jean Cocteau en Arsenevich

L'aigle a deux têtes

La Belle et la Bête

Les Enfants Terribles

Les Parents Terribles

Orphèe

20 mayo 2013

Joseph L. Mankiewicz - A Letter to Three Wives (1949)

Inglés | Subs: English (muxed) Castellano/Français .srt

103 min | mkv-X264 640x480 | Bitrate total 747 kb/s | 48.0 KHz AAC | 23.97 fps

551 MB + 3% recuperación

Carta a tres esposas

Tres mujeres llamadas Deborah (Jeanne Crain), Rita (Ann Sothern) y Lora May (Linda Darnell), reciben una carta de Addie, una amiga en común que les indica que se ha fugado con uno de sus maridos. La duda surge entre el trío femenino, preocupado en conocer quien es el esposo infiel...

Mediante el empleo de una serie de flashbacks (recurso recurrente en Mankiewicz), vamos descubriendo las intrincadas interacciones de unos personajes en el contexto de una pequeña ciudad provinciana, mostrando con mordacidad sus complejos y miedos, ideas vitales, costumbres sociales y relaciones profesionales.

Lo de menos para Mankiewicz es la aclaración de la infidelidad en sí, sino el embate cáustico e ingenioso a los ridículos valores de unos personajes magistralmente definidos, ahogados en la superficialidad y la vacuidad. (tomado de El Criticón)

Three wives, played by Jeanne Crain, Ann Sothern and Linda Darnell, are about to embark on a boat trip when each receives a letter, written by a mutual friend named Addie, informing her that Addie is about to run off with one of their husbands. In flashback, each wife wonders if it is her marriage that is in jeopardy. Deborah (Crain) recounts her fish-out-of-water relationship with her up-and-coming hubby (Jeffrey Lynn); businesswoman Rita (Sothern) asks herself if she's been too rough on her professorial spouse (Kirk Douglas); and Lora May (Darnell), a girl from (literally) the wrong side of the tracks, questions the security of her marriage to a brash business executive (Paul Douglas). The voice of Addie, who is never seen, is provided by Celeste Holm. Thelma Ritter shows up in a hilarious unbilled bit as a slatternly domestic, while an equally uncredited Carl "Alfalfa" Switzer makes a quick entrance and exit as a bellhop.

Written with perception and not a little witty condescension by director Joseph L. Mankiewicz, A Letter to Three Wives won two Oscars, both for Mankiewicz. Based on a novel by John Klempner, the property was remade for television in 1985, with Ann Sothern back again in a supporting part.

"Mankiewicz's writing is bright and hard -- he's sharpening his teeth for All About Eve, made the next year -- but his acid wit is almost too much for his fragile characters to bear". (David Kehr - Chicago Reader)

Chaînes Conjugales

Trois amies partent en excursion, délaissant pour l'occasion leurs maris respectifs. Peu avant le départ, l'une d'elles reçoit une lettre d'une quatrième femme que toutes trois connaissent : la séductrice Addie Ross.

Celle-ci déclare avoir profité du départ des trois amies pour partir avec le mari de l'une d'elles, sans préciser lequel. Durant l'excursion, chacune des trois femmes reverra successivement, aux cours de trois flashback différents, les différentes étapes de sa vie de couple et tentera de comprendre ce qui aurait pu décider son mari à fuir, tout en se demandant si c'est bien de lui qu'il s'agit ou non.

Rip del grupo mSD

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Joseph L. Mankiewicz en Arsenevich

Sleuth

The Ghost and Mrs. Muir

Suddenly, Last Summer

5 Fingers

The Honey Pot
Dragonwyck
All About Eve

19 mayo 2013

Eric Rohmer - Pauline à la plage (1983)

Pauline en la playa

Pauline es una joven adolescente de 15 años, que junto a su prima Marion pasan un verano en la costa francesa. Marion se encuentra con un antiguo amigo, Pierre, que mantiene una profunda atracción por ella. Sin embargo Marion prefiere al aventurero Henri, aunque sabe que su relación sería corta. Mientras, Pauline tiene un romance con un chico, Sylvain. (FILMAFFINITY)

Pauline at the Beach

In the end of summer, strikingly beautiful and intelligent Marion who just got divorced brings her 15 year old cousin Pauline to a Normandy coastal resort for a short vacation. At the beach, they meet Pierre, an old friend who is still desperately in love with Marion, and Henri, an older hedonist who is only interested in sex and divides his time between Marion and a local candy girl, Louisette. Paulette meets a young man Sylvian but their romance does not live long thanks to Henry's cynicism and egotism. "Pauline at the Beach" is a very sexy, intelligent, and charming dramedy about love, lies, and desire and how sometimes the teenagers have a better sense of reality and better understanding of these matters than the adults around them.

Marion, styliste à Paris, et Pauline, sa jeune cousine passent leurs vacances dans une station balnéaire normande. Elles y rencontrent Pierre, amoureux de Marion, Henri, un ethnologue divorcé et séduisant, ainsi que Sylvain, adolescent à la recherche d'une fille de son âge. Des intrigues amicales et amoureuses vont naître entre ces différents personnages.

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18 mayo 2013

Ingmar Bergman - Jungfrukällan (1960)

El Manantial de la doncella (España, México)

La Fuente de la doncella (Argentina)
La Source

A Fonte da Donzela (Brasil)

A Fonte da Virgem (Portugal)

Sueco I Subs:Castellano (muxed) + English/Castellano/Français/Português .srt

86 min I X264 MKV 1280x720 I 2048 kb/s I 224 kb/s AC3 I 25 fps

1,37 GB + 3% de recuperación

Basada en una leyenda popular del siglo XIV, cuando el cristianismo recién arraigado se fundía con los mitos de Odin, una muchacha, Karin, atraviesa el bosque con una ofrenda a la virgen en compañia de Ingrid, quien la odia secretamente.

Conociendo posteriores y muchísimo más personales películas, una película como El manantial de la doncella puede parecerle menor a un espectador poco avezado en la filmografía de Ingmar Bergman, sobre todo teniendo en cuenta el año en que está enclavada, pues la precede su primera gran obra maestra, El séptimo sello (que en muchos sentidos preludia a ésta), así como una de sus cinco mejores películas, Fresas salvajes. Los sesenta estaban a punto de comenzar, y ahí germinaría el Bergman más críptico y fascinante, el que cambió la cinematografía mundial.

Pero lo cierto es que El manantial de la doncella es una obra de una fuerza narrativa inigualable, que no por resultar más accesible en su doloroso drama, desmerece del universo bergmaniano. Más bien lo amplía. Basada en una balada nórdica del siglo XIII, el guión es una joya de concreción y de diálogos. Doce únicos personajes en un decorado interior, y en primorosas localizaciones naturales exteriores. Este poema visual es sobre todo una hipnótica tragedia con reminiscencias shakesperianas, ibsenianas y strindbergianas, al mismo tiempo que aúna lo católico con lo pagano, lo existencialista con lo mundano.

La puesta en escena de Bergman se aleja de todo manierismo de forma consciente y ascética, buscando en todo momento la austeridad, los silencios, la expresividad “casual”. Escasos movimientos de cámara, empleada esta con gran energía en los momentos en los que se necesita, para acentuar la tensión psíquica del espectador; dirección de actores precisa y sobria, sin grandes exhibicionismos, pero capaz de arrancar una verdad indescriptible a los actores. Parece, de hecho, algo teatral, pero no por defecto, sino por virtud. Esta teatralidad nos retrotrae a los dramas escandinavos y a las representaciones de grandes tragedias gélidas del teatro sueco y ruso.

Extraordinaria fotografía en un celestial blanco y negro por parte del maestro de la luz, recientemente fallecido, Sven Nykvist. Su trabajo es enormemente decisivo en el tratamiento visual de Bergman, pues esta película se narra principalmente con imágenes, y no tanto por sus escasos diálogos. Su sencillez es transparente, y de ella nace el dolor de su historia, su inasible melancolía, dedicada a describir la soledad del hombre en el mundo, el horror de la violencia injustificada o no, el silencio insondable de Dios y las palabras sin respuesta que sus hijos le profieren, la naturaleza inconcebible de la muerte violenta, el amor parental, el odio entre hermanos, la venganza…

En el centro del reparto, un imponente Max Von Sydow, pero todos están magníficos, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom, Birgita Pettersson… Considerada hoy día una de las películas clave de Bergman, esta maravilla no ha envejecido nada, sino que se conserva eternamente joven. Bergman sería capaz de superarse en el futuro, forzando a sus contemporáneos a convencerse de que es uno de los mejores y más profundos artistas del siglo XX. (Extracine)

Winner of the Academy Award for Best Foreign Language Film, Ingmar Bergman’s The Virgin Spring is a harrowing tale of faith, revenge, and savagery in medieval Sweden. Starring frequent Bergman collaborator and screen icon Max von Sydow, the film is both beautiful and cruel in its depiction of a world teetering between paganism and Christianity, and of one father’s need to avenge the death of a child.