25 noviembre 2009

Claire Denis - Beau travail (1999)


Francés/French | Subs: Castellano/English/Portugués
89 min | XviD 672x416 | 1971 kb/s | 256 kb/s AC3 | 29.97 fps
1,37 GB + 3% recuperación/recovery

Bella tarea
Un sargento de la Legión Extranjera en Djibouti, África, siente atracción, luego celos y, finalmente, odio por uno de sus soldados más sobresalientes. El enfrentamiento entre los dos hombres se convierte en la única guerra concreta para ellos, sumergidos en el tedio del entrenamiento y los rituales cotidianos de los militares en interregnos de paz.

Film de la francesa Claire Denis libremente inspirado en Billy Budd, de Herman Melville, se exhibió en varios festivales, donde causó polémica por su visión brutal y destructiva de la sexualidad masculina e impresionó por su estilizado concepto visual para retratar la agonía del hombre en el desierto. (pantalla info)

In this military drama, a military man finds his position of prominence questioned when a new recruit wins the commander's favor. Galoup (Denis Lavant) is an officer at a French Foreign Legion outpost in the Gulf of Dijbouti, where he enjoys a close relationship with the Commanding Officer (Michel Subor) and works with a team of fit young men who work hard all day and play hard all night. When Sentain (Gregoire Colin), a new recruit, joins the troops, Galoup believes that it upsets the delicate balance between the C.O. and the other men. Sentain is well-liked by his comrades for his good humor and selfless nature, and his virtues make him the C.O.'s new favorite. Galoup is jealous of the attention Sentain receives, and he devises a plan to discredit Sentain in the eyes of the other men and have him drummed out of the service. Galoup's plot is found out, however, and Galoup is stripped of his rank and sent home. Beau Travail was loosely based on Billy Budd, Sailor by Herman Melville, though disco dancing did not figure quite as prominently in Melville's novella.

Un peloton de la Légion Etrangère oublié, abandonné quelque part dans le Golfe de Djibouti. Les restes d’une armée fantôme qui joue à la guerre et répare les routes. A Marseille l’ex-adjudant Galoup se souvient de ces temps heureux, de cette vie si bien orchestrée, de ses hommes, son cher troupeau. Mais ce qu’il a vraiment perdu, c’est son commandant. Son commandant qu’il n’a pas voulu partager avec un jeune légionnaire. (unifrance.org)


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Claire Denis en Arsenevich

06 noviembre 2009

Agnès Varda - Sans toit ni loi (1985)


Francés/French | Subs: Castellano/English/Italiano
106 min | XviD 720x432 | 1646 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB + 3% recuperación/recovery

Sin techo ni ley
En un campo vitícola de la región del Mediodía, en Francia, un trabajador árabe encuentra el cadáver de una joven tirado en una zanja. Se trata de una vagabunda muerta y al parecer ha muerto de frío. A través de la gente que vive en los alrededores, se intentará trazar el itinerario de sus últimos días; empiezan a desfilar testimonios y así se va delineando el retrato de la joven llamada Simone Bergeron o, simplemente Mona. La policía concluye que se trata de una muerte natural. Se refleja un retrato de la sociedad que propicia un amoral sistema de vida de Mona y sus compañeros, una nueva generación de vagabundos más cínica, desencantada y arrogante. También más desprotegida y por lo tanto demandante. Ante tal actitud, dicha sociedad se siente en peligro, pero nadie hace nada.
Vagabond
On a cold winter’s morning, a farm labourer discovers the dead body of a young woman in a ditch. Her clothes are filthy and torn, her hair unkempt, and her face pale and exhausted. The strange woman appears to have been living rough for some time. Those who encountered her in the weeks preceding her death attempt to piece together her story, to try to work out who she was and where she was heading.
Le corps sans vie de Mona, une jeune vagabonde, est retrouvé un matin d'hiver dans un fossé. Personne ne sait qui elle était, et le puzzle incomplet de son passé se reconstitue au fur et à mesure des témoignages de ceux qui ont croisé sa route...


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Agnès Varda en Arsenevich
 La Pointe-courte (1954)
Cléo de 5 à 7 (1961)
Le Bonheur (1965) 
Sans toit ni loi (1985)

03 noviembre 2009

Claire Denis - 35 rhums (2008)


Francés | Subs: Castellano/English/Italiano/Portugués
97 min | XviD 704x368 | 1500 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,15 GB


35 tragos
Hay un equilibrio y una cercanía afectiva entre Lionel y su hija Josephine. Con más de cincuenta años, él está por jubilarse de su trabajo como conductor de ferrocarril, mientras ella, de más de veinte, estudia antropología y trabaja en un negocio de música. Viven en un edificio de departamentos de la periferia parisina, donde también está Noé, amigo de la familia que se siente atraído por Josephine pero quiere irse, mientras Gabrielle desea en secreto a Lionel. Estas vidas que se cruzan y se bifurcan, como las vías del tren, son la materia con la que Claire Denis modela un mundo y unos personajes en los que la cotidianeidad de hábitos y diferencias se despliega sin énfasis, sin condenarlos ni embellecerlos, sin quitarles inscripción –social, política, cultural– ni confinarlos a un ghetto, edificando una idea de comunidad y de familia de un humanismo y una calidez inhallables en el cine contemporáneo. Casi tangible y sensorial, 35 rhums es una de esas películas de Denis que reintegran no sólo la fe el cine sino en el hombre. (BAFICI)



Subtítulos en castellano míos

35 Shots of Rum
Lionel (Descas), a black train driver, has devoted his entire life to bringing up his daughter Josephine (Diop). Aware that she is old enough to want her independence, he is reluctant to lose her and she is not quite ready to leave the protective cocoon of home. Their neighbors include taxi driver Gabrielle (Dogue) whose gentle attempts to befriend them are firmly resisted, and Noe (Colin) who has left his flat exactly as it was when he inherited it from his late parents.

Lionel est conducteur de RER. Il vit avec sa fille Joséphine, qui suit des études supérieures et qu’il élève seul, dans leur appartement du nord de Paris. Ils ont la peau noire, comme beaucoup de leurs voisins, amis, collègues. 35 Rhums est leur histoire, aujourd’hui. Le titre serait inspiré d’une légende que Claire Denis a peut-être inventée, celle d’un flibustier qui aurait dit : «Le jour où tu prendras ma fille, je me soûlerai.» Joséphine est en effet en âge d’être prise et c’est cette prise de conscience, cet éveil du père, irremplaçable Alex Descas, qui forme tout le petit suspense retenu auquel nous sommes conviés.

Avec 35 Rhums, Claire Denis effectue une sorte d’inversion des perspectives sur elle-même et sur son cinéma. Elle se retourne sur autre chose : le monde est le même, seul l’axe a changé. 35 Rhums, c’est un peu le recto verso, la peau intérieure du cinéma de Claire Denis, l’envers du tumulte, la suspension en sérénité. (Liberation)

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Claire Denis en Arsenevich 

12 septiembre 2009

Henri-Georges Clouzot - Le Corbeau (1943)

Francès/French I Subs: Castellano/English
87 min I Div3 576x432 I 1012 kb/s I 96 kb/s cbr mp3 I 25 fps
694 MB + 3 % de recuperaciòn/recovery

La vida de una pequeña ciudad de provincias se ve perturbada por una serie de anónimos firmados por "El Cuervo". El doctor Rémi Germain, arisco y mal visto por la gente conformista, es el primero en recibirlos: se le acusa de realizar abortos y de ser el amante de Laura Vorzet, la esposa del psiquiatra del hospital. Después de Germain, "El Cuervo" arremete contra el médico jefe y el administrador. Las malas lenguas apuntan hacia la enfermera Marie Corbin, la cual se granjeó la enemistad de muchos... El cuervo, segunda obra de Henri Georgés Clouzot, se rueda al igual que tantas otras películas del momento, en unas condiciones verdaderamente insostenibles. Desde 1940, gran parte de Francia se encontraba ocupada bajo el poder del ejército alemán y sometida al régimen del gobierno títere de Vichy. En ésta circunstancia se vive una situación insólita, ya que muy a pesar de las innumerables trabas artísticas a las que el medio estaba sometido por parte de la censura germana (entre ellas, la imposibilidad de trabajar a todo creador que fuera o tuviera ascendencia judía), la producción francesa se incrementa notoriamente, en gran parte debido a la prohibición de la exhibición de films ingleses o norteamericanos, lo que provocó que el cine francés (junto a las producciones alemanas, a menudo boicoteadas por grupos de resistentes) copara, casi en su totalidad, las carteleras del país. Si bien una gran parte de los cineastas franceses más importantes se encontraban en el exilio (entre ellos uno de los nombres puntales, Jean Renoir), la aparición de varios directores jóvenes que intentaron aclimatarse, por todos los medios posibles, a la precariedad del momento (Robert Bresson, Jacques Becker), junto a quienes, como francotiradores, quedaron en Francia asumiendo toda clase de privaciones (Marcel Carné) o quienes hicieron de la adversidad su oportunidad al aclimatarse de manera camaleónica a las imposiciones germanas (Claude Autant-Lara), hicieron que la producción del país poseyera una versatilidad insólita en cualquier otro país que estuviera inmerso, de una u otra forma, en la Segunda Guerra Mundial. Sólo así se puede explicar la aparición de un pieza tan pesimista y radical como El cuervo, ateniéndonos a un ingente período de producción y a unas características, paradójicamente, no muy estimulantes para la ejecución de los proyectos. Su estreno fue un mazazo de enormes dimensiones ya que la película contó con el inmediato rechazo por parte de todos los sectores, tanto los germanófilos como quienes luchaban por la liberalización de Francia. De hecho, al finalizar la contienda, el film fue prohibido y Clouzot se vio privado de ejercer su profesión hasta que las presiones de un grupo de intelectuales lograron que volviera a dirigir en 1947, dos años después de acabada la guerra.
En efecto, El cuervo es un film tan extremadamente negro y perverso que su visionado resulta, aún hoy, una experiencia tan compleja y difícil de asimilar como, en el fondo, fascinante. Clouzot, mostrando una apertura de miras verdaderamente excepcional, compone una sinfonía de la infamia que afecta a todos y cada uno de los personajes que aparecen en el film. En la obra se da cita una fauna humana con la que es casi imposible identificarse, sin embargo, el cineasta fuerza la inmersión del espectador en los diversos avatares que viven los protagonistas merced a la situación en la que se ven sumidos, la amenaza latente de un peligro en forma de enigmáticas misivas que únicamente esconde el temor (pavor, más bien) a la propia conciencia, a la imposibilidad de enfrentarse a unos actos cometidos cuyas consecuencias y recuerdo resultan una losa enormemente difícil de soportar y que las cartas de “El Cuervo” acentúan hasta provocar la paranoia y el desequilibrio. Lo que, en un principio, es una historia directamente vinculada a unos individuos concretos, se abre hacia la mitad del film incluyendo a toda la colectividad, en una impresionante opción, por parte del cineasta, que logra que hacer de la negrura con la que concebía a unos personajes un prisma que alcanza a toda la condición humana. Clouzot, por consiguiente, no emite ningún juicio escrupuloso o valorativo sino, más bien, expone la situación desde el escalofrío que produce la objetividad. En unos tiempos como en los que la película se realiza, todo ser humano es culpable, sin excepción alguna y Clouzot se limita a materializar dicha culpabilidad y a subrayar el drama de conciencia que ello representa. Sobre ésta situación, el brutal asesinato con el que termina la película no ofrece posibilidad de paz o quietud y la causante del mismo se pierde entre las calles de un pueblo donde todos sus habitantes poseen, de una u otra forma, idéntica condición moral.
Los recursos que Clouzot utiliza para conseguir que éste film alcance los niveles mencionados están vinculados, casi en su integridad, a la creación de una atmósfera opresiva, inquietante, insoportable por momentos. La película posee, como claro referente, una cierta tendencia hacia el expresionismo, algo verdaderamente imprescindible para lograr una de las tesis capitales del film: la exteriorización formal de toda la negrura interna en los personajes. Y ello, como no podía ser de otra forma, se consigue mediante una fotografía contrastada (obra de Nicolas Hayer) que, en más de una ocasión, se sitúa al límite de sus posibilidades expresivas (las secuencias en el interior de la iglesia) o proyecta visualmente la turbadora dualidad humana mediante el juego entre la luz y la sombra, complementando hasta unos niveles admirables, el texto o la propia puesta en escena de Clouzot (la conversación que mantienen Vorzet y Germain sobre la bondad y la maldad del hombre). Asimismo, el film integra al pasmado espectador en sus planteamientos mediante el ritmo imparable que logra alcanzar, logrando de los constantes diálogos una turbadora arma arrojadiza en la que todos nos vemos, irremediablemente, implicados.
Extrema y escalofriante, ésta impresionante reflexión sobre la infamia humana queda no solo como la obra maestra absoluta de Clouzot, sino como una de las mejores películas de toda la Historia del Cine. (Texto de Joaquín Vallet R., tomado de Miradas de Cine)
A mysterious writer of poison pen letters known only as Le Corbeau (The Raven) plagues a French provincial town, and unwittingly exposes the collective suspicion and rancor that was seething beneath the community's calm surface. Made during the Nazi Occupation of France, Henri-Georges Clouzot's Le Corbeau was attacked by the right-wing Vichy regime, the left-wing Resistance press, the Catholic Church, and was banned after the liberation. Le Corbeau brilliantly captures the spirit of paranoid pettiness and self-loathing that turns an occupied French town into a twentieth-century Salem.
"¿Crees que hay gente que es sólo buena o sólo mala? ¿Piensas que lo bueno representa la luz y lo malo la oscuridad? Pero, ¿cuándo acaba la noche y empieza el día? ¿Dónde está la frontera? ¿Puedes tú afirmar con completa seguridad en qué lado te encuentras?"

Nuevos enlaces, gentileza de chicharro

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Henri-Georges Clouzot en Arsenevich


L'assassin habite au 21 (1942)
Le Corbeau (1943)
Manon (1949)
Le Salaire de la Peur (1953)
Les Diaboliques (1955)
La vérité (1960)
La Prisonnière (1968)

05 septiembre 2009

Kenji Mizoguchi - Maria no Oyuki (1935)

Japonés | Subs: Castellano/English/Français
76 min | XviD 720x576 | 1503 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
900 MB
Oyuki, la virgen
Oyuki, la virgen está basada en una adaptación de Kawaguchi Matsutaro de la obra de Guy de Maupassant Bola de sebo, la misma que sirvió de inspiración a John Ford para La Diligencia. La obra original de Maupassant, ambientada durante la guerra Franco-Prusiana, es la historia de un grupo de personas que tratan de huir del campo de batalla en un carruaje tirado por caballos. Los burgueses emplean la expresión bola de sebo para referirse con sarcasmo a la prostituta que viaja con ellos. Cuando son capturados por el enemigo, la ofrecen al comandante como sacrificio humano. Cuando reanudan el viaje al día siguiente, ya sin la chica, lo único que hacen es censurarla y calificarla de vulgar.


Subtítulos en castellano de nyxnet (Ci-Cl)
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Oyuki la vierge
1877. La ville de Kagoshima, sur l’île de Kyushu, est ravagée par des combats qui opposent un clan de samouraïs à l’armée impériale. Une nuit, quelques nobles apeurés décident de fuir la cité à bord d’une diligence. Au milieu de ces voyageurs méprisants, Oyuki et Okin, deux jeunes courtisanes, bravent l’adversité avec courage et dignité, et sauvent l’équipée de la faim. Féru de littérature occidentale, Kenji Mizoguchi s’inspire de la trame de Boule de suif, de Guy de Maupassant, pour dénoncer les inégalités sociales et l’attitude arrogante d’une certaine bourgeoisie japonaise. A u-delà de la satire sociale, il exalte le sacrifice de femmes généreuses et pourtant avilies. En confiant le rôle d’Oyuki à Isuzu Yamada, l’une des stars du moment, le cinéaste rend hommage et condamne le sort qui est réservé aux prostituées japonaises. Un mélodrame engagé et poignant, porté par une mise en scène délicate et poétique.
Oyuki, the Virgin
Oyuki, the Virgin is based on Kawaguchi Matsutaro’s adaptation of Maupassant’s “Boule de Suif” (“Lump of Fat,” also the inspiration for Ford’s Stagecoach). To this story Mizoguchi added some of his own elements. Maupassant’s original work, set during the Franco-Prussian War, is the story of a group of people who try to flee the battleground in a horsedrawn carriage. The bourgeois use the expression “lump of fat” to refer sarcastically to the prostitute who is riding along with them. When they are caught by the enemy, they offer to send her to the commander as a human sacrifice. This done, when they leave the battlefield the next day, all they do is censure her and call her vulgar.

DVD rip and English subtitles by MorganCreek (KG)

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Subtítulos
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Kenji Mizoguchi en Arsenevich
Maria no Oyuki (1935)

18 agosto 2009

Robert Bresson - Le Diable probablement (1977)


Francés | Subs: Castellano/English/Portugués/Italiano
93 min | XviD 720x528 | 2038 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,45 GB + 3% recuperación/recovery
El diablo, probablemente
Un joven de 20 años, Charles (Antoine Monnier), aparece muerto en el cementerio parisino de Père-Lachaise. ¿Se trata de un suicidio o de un asesinato? Charles vive entre dos amores, Alberte (Tina Irissari) y Edwige (Laetitia Carcano), deambulando entre conversaciones existenciales con su amigo Michel (Henri de Maublanc), despreciando tanto “la felicidad de la tarjeta de crédito” como el compromiso político, y pasando por encima de las posibles opciones que le ofrecen el anarquismo, la militancia ecologista, o las drogas. Una serie de encuentros casuales le llevan a reconocer su propio instinto de autodestrucción... (FA)

Subtítulos en castellano de un servidor, creo que los primeros subs que hice hace casi cinco años.

The Devil, Probably
The story unfolds of a young man living in Paris. He wants more from life than the glib, superficial truths and material things that are on offer to him. He reaches out to his family and friends and psychiatrist to provide him with the great answers in life. But his spiritual deliverance remains beyond his grasp until he reaches a bizarre arrangement with a fellow hippie.

DVD rip by rulle (FH)

Un groupe de jeunes se révoltent contre la société, destructrice de la nature, décadente et sans espoir. Parmi eux, Charles, vingt ans, un pur romantique, cherche un sens à sa vie. Mais ses problèmes sentimentaux mêlés à sa difficulté d'exister le plongent bientôt dans un profond désespoir dont seule la mort pourra le délivrer.


Nuevos enlaces provistos por Don Belianís (¡gracias!)
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Robert Bresson en Arsenevich


Les Anges du péché (1943)
Les Dames du Bois de Boulogne (1945)
Journal d'un curé de campagne (1951)
 Un condamné à mort s'est échappé (1956)
Pickpocket (1959)
Procès de Jeanne d'Arc (1962)
Au hasard Balthazar (1966)
 Mouchette (1967)
Une femme douce (1969)
Quatre nuits d'un rêveur (1971)
Lancelot du Lac (1974) 
Le Diable probablement (1977) 
L'Argent (1983)

12 agosto 2009

Agnès Varda - Le Bonheur (1965)

Francès | Subs: Castellano
80 min | Xvid 608x352 | 1087 kb/s | 129 kb/s mp3 | 23.97 fps
704 MB + 3% de recuperación rar
François es un joven carpintero casado y con dos hijos. A pesar de que su vida marital con Thérese resulta placentera, el día en el que conoce a Emilie, no puede evitar sentirse atraído por ella y acaba teniendo una aventura.
Tercer largo de Varda, film incomprendido y atacado en su momento por las diversas heterodoxias reinantes a las que el film no hace la menor alusión (como casi siempre, las heteredoxias se dan solitas por aludidas), "La Felicidad" es un film extraordinario y revelador de las preocupaciones y los mayores riesgos (a todo nivel) que venía tomando la directora belga por estos años. Película que en su afán (conseguido) de desdramatización de lo que cuenta va forjando una mirada lúcida (hasta llegar a ser translúcida) sobre los hechos de la historia que se van sucediendo uno tras otro con el lento y tranquilo fluir de las aguas de un simple río. A esta manera de narrar se le otorga entonces una especie de totalidad (la de la amplitud de su mirada) que es por donde se cuelan sus rasgos más específicamente anclados en su época ( los guiños de la nueva ola, la estética pop, la fotografía) pero que , como en todo el cine de Varda, terminan trascendiendo la anécdota del tiempo histórico preciso para despuntarse como auténticas señas de un pensamiento y una reflexión mayores. Los colores vivos (vivísimos), los carteles de la ciudad que contextualizan las emociones y los sentimientos de los protagonistas, los objetos y quehaceres cotidianos que comparten con nosotros el distanciamiento de todo cuanto sucede, van mostrando este paisaje que tiende distintos (y diferentes entre sí, sin necesidad de que se excluyan por ello) matices de interpretación y que , hacía el final de la película, dan la impresión de una serenidad alcanzada sólo a partir del íntimo contrato de los protagonistas con el ritmo contínuo y cambiante de la vida tal y como se les presenta (de ahí también el flujo de los colores en plena correspondencia con las estaciones y con el principio y el fin del film). Si a algo se parece entonces la película es a esa vida que vivimos todos los días (pese a nosotros) y que ,plagada como está de drama humano (drama que la película no omite sino al contrario, refuerza hasta la arcada), debería verse sin embargo a la distancia (pese a nosotros y nuestros dramas) tal y cual esta bella película nos la presenta : es decir con una especie de amor que no omita nada y hace que todo siga existiendo.Set in the Paris suburbs, this lovely tale of a tragic love triangle looks like an impressionist painting come to life, the delicately hued colors of the picturesque French countryside creating an impossibly idyllic existence belied by the churning drama underneath. A young carpenter with a loving wife and family falls for a pretty postmistress. To his bohemian philosophy it's perfectly natural to enter into an affair because it will only increase his happiness, but his wife is not so understanding. Agnes Varda creates a strange tension between her happy, smiling characters in their sun-drenched Eden and the melodrama and emotional conflict played out in that paradise, even transforming tragedy into an oddly happy ending, keeping her distance from her characters, neither judging nor encouraging them. The playful style echoes her New Wave compatriots with startling flashcuts, out-of-focus portraits, and silly word games played by both the characters and the director, but her aloofness creates a disconnection between the characters and their actions, as if they are not really responsible for the tragedies of their lives. Controversial at the time of its release, Le Bonheur remains one of the most visually beautiful films of the 1960s and a work that still offers a troubling but tantalizing dissonance. (Sean Axmaker)
"En mis películas siempre busco que las personas vean con mayor profundidad. No quiero mostrar cosas sino que la gente desee verlas." Agnès Varda

Nuevos enlaces, gracias a chicharro

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Agnès Varda en Arsenevich

La Pointe-courte (1954)
Cléo de 5 à 7 (1961)
Le Bonheur (1965) 
Sans toit ni loi (1985)

08 agosto 2009

Lisandro Alonso - Liverpool (2008)


Castellano/Spanish | Subs: English/Français
82 min | XviD 720 x 400 | 1488 kb/s | 256 kb/s AC3 | 25 fps
0,99 GB + 3% recuperación/recovery

En medio del Océano Atlántico, Farrel pide al capitán del carguero en el que trabaja permiso para desembarcar cuando lleguen al puerto de Ushuaia, la ciudad más meridional de Argentina. Farrel quiere volver al lugar donde nació y ver si su madre sigue viva. Durante los últimos veinte años ha trabajado de marinero. Bebe para olvidar, paga a las mujeres con las que se acuesta, no tiene amigos. Al llegar al pequeño grupo de casas cubiertas de nieve donde creció, Farrel descubre que su madre sí que sigue viva, pero alguien más ha entrado a formar parte de la familia...

DVD rip de supersoft (24fps)

"Anywhere but here" is the common phrase, but Liverpool's variation seems to be "anywhere but anywhere." Lisandro Alonso's follow-up to Los Muertos is another mostly unspoken journey, but that film's flirtations with myth and regression—traveling from prison to jungle—makes Liverpool's revelation as a journey of banality all the more surprising.

The cumulative impressiveness of the completely measured banality of Liverpool, avoiding both pictorialism and the pretentious weight in its simple, realist, but distanced camera set-ups, must be extended to Alonso's people (characters they are not in this non-drama) and to Liverpool's world. The reveal of the reason behind the film's title seems to make it clear—this is a deadened, unhappy life of routine, remorse, and work, wherever it is, whatever you do. An object that another film would use as a romantic starting point—a cherished souvenir from a mysterious world abroad—here becomes a kind of final punctuation: banal, so much so it might even be darkly humorous. This is what it is like in this world, and only the most resolute and dedicated cinema could express such a philosophy without succumbing to the very malady effecting its world. Alonso's brilliant, slow-burning simplicity creeps slowly but definitively, and its impact continues to entwine itself after its scenes of brutal disinterest and deeply repressed unhappiness routinely proceed past. It is a sign that Liverpool is not nearly as banal as it seems.
Au milieu de l'océan Atlantique, Farrel demande au capitaine du cargo sur lequel il travaille l'autorisation de descendre à terre : il veut se rendre là où il est né pour savoir si sa mère respire encore. Farrel a travaillé comme marin les vingt dernières années de sa vie. Il s'est soûlé à en rouler par terre et a toujours payé les femmes qu'il a eues. Il ne s'est fait aucun ami. Une fois parvenu au hameau enneigé où il a vécu ses premières années, il découvre que sa mère vit toujours mais également que la famille compte une personne de plus.


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Lisandro Alonso en Arsenevich


 Liverpool (2008)