09 diciembre 2011

Jean Rouch & Edgar Morin - Chronique d'un été (Paris 1960)

Crónica de un verano / Chronicle of a Summer
Français | Subtítulos: English / castellano (muxed)
x-264 mkv 784x576  | 90 min | 23.97 fps | 192 kbps AC3 | 1,49 GB

 http://www.imdb.com/title/tt0054745/

« Comment vis-tu ? », « Comment est-ce que tu te débrouilles avec la vie? », « Le matin en vous levant, quand vous sortez dans la rue, que faites-vous ? », « Etes-vous heureux ? ». Les questions lancées par Jean Rouch et Edgar Morin aux Parisiens durant l’été 1960 n’ont rien perdu de leur mordant. Les aspirations humaines et artistiques dont Chronique d’un été est le manifeste frappent encore par leur actualité. Ce film est né de la rencontre entre des personnalités singulières, de part et d’autre de la caméra, avant mais aussi pendant le tournage : rencontre entre un anthropologue-filmeur du « lointain » et un sociologue du présent, rencontre entre des cinéastes et des techniciens, rencontre entre l’équipe du film et les « acteurs », rencontre entre les différents personnages, enfin rencontre imaginaire du spectateur avec ces hommes et ces femmes, dans la salle de cinéma(...)
Cinquante ans plus tard, le projet de 1960 ne fait pas l’effet d’un symptôme de révolution passée, il produit à nouveau l’étonnement, le débat, les interrogations au sortir de la salle. Film à entrées multiples, il est traversé par des thèmes intemporels et aussi vastes que le bonheur, le travail ou la guerre. Mais Chronique est aussi un condensé de possibilités cinématographiques qui n’ont cesser de se déployer depuis. Objet hétérogène, le film échappe à ses auteurs, ouvrant la voie à des formes audiovisuelles diverses, voire divergentes : du cinéma-vérité à la télé-réalité.
"¿Cómo vives?", "¿Cómo te va en la vida?", "¿Qué es lo que hace a la mañana, cuando se levanta, cuando baja a la calle?", "¿Es Ud. feliz?" Las preguntas lanzadas a los parisinos por Jean Rouch y Edgar Morin ese verano de 1960 no han perdido nada de su mordacidad. Las aspiraciones humanas y artísticas de las que este film se constituye en manifiesto impactan aún hoy por su actualidad. Crónica de un verano nació del encuentro de personalidades singulares: encuentro de un antropólogo-cineasta de lo "lejano" y un sociólogo del presente, encuentro de cineastas y  técnicos, encuentro del equipo del film con los "actores", encuentro -por fin- imaginario del espectador con estos hombres y mujeres, en la sala cinematográfica.(...)
Cincuenta años más tarde, este proyecto de 1960 no tiene el aire de mero síntoma de revolución pasada, vuelve a suscitar el asombro, el debate, los interrogantes, al salir del cine: un film de entradas múltiples, atravesado por temas tan intemporales y vastos como la felicidad, el trabajo o la guerra. Pero Crónica... es también un condensado de posibilidades cinematográficas que no han cesado de desplegarse tras él. Objeto heterogéneo, el film escapa a sus autores, abriendo el camino a formas audiovisuales diversas, incluso divergentes: del cine-verdad a la tevé-realidad.
Camille Bui, Le Blog Documentaire
 
The biggest surprise about this seminal work is that even though it’s made by two eminent social scientists, its value winds up having relatively little to do with either anthropology or sociology. Rouch as a filmmaker had already discovered in his innovative African documentaries that you best catch people “being themselves” if you film them “playing themselves,” and this film is actually a kind of home movie about life being lived and self-consciously performed by these touching individuals in interaction with one another and in front of the camera.(...)
Even more than his ethnographic works about Africans, Chronicle makes it evident in its graceful spontaneity why Rouch was a key influence on the French New Wave, so it isn’t surprising to discover in the closing credits that Raoul Coutard — the key cinematographer of that movement, who shot most of the first features of Godard, Truffaut, and Demy — worked on this film as well.
La mayor sorpresa de esta obra seminal es que, aunque realizada por dos eminentes cinetíficos sociales, su valor termina debiéndole poco a la antropología o a la sociología. En sus innovadores documentales africanos, ya el Rouch cineasta había descubierto que la mejor forma de capturar a la gente siendo "ella misma" era filmarla "haciendo de sí misma", y este film es por cierto una especie de película hogareña sobre la vida tal como la viven y la desempeñan de modo autoconsciente estos conmovedores individuos en interacción recíproca y frente a la cámara.(...)
Aún más que la obra etnográfica sobre los africanos, la graciosa espontaneidad de Crónica de un verano torna evidente por qué fue Rouch un influjo clave para la Nouvelle Vague; en tal sentido, no es sorprendente descubrir en los créditos a Raoul Coutard, el mismo que fotografiara la mayor parte de los films iniciales de Godard, Truffaut y Demy.


Nuevo DVD rip, cortesía de LittleAfterAll (KG) 

Las capturas corresponden al rip anterior

 

Hay un documental de Florence Dauman, Un été + 50, sobre el rodaje de Chronique, realizado recientemente en ocasión del 50º aniversario. Lamentablemente no lo pude encontrar, hubiera sido un lindo combo, aunque fuera sin subtítulos. No es mi rip.


Chronique dun été (1961).part1.rar
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Jean Rouch en Arsenevich

Moi un noir (1958)
Chronique d'un été (1960, con Edgar Morin)
Jaguar (1967)

05 diciembre 2011

Andrei Tarkovsky - Zerkalo (1975)

Ruso | Subs: Castellano/English/Français/Portugués + 20* idiomas
107 min| AVC X264 1024x720 7200 kb/s | 1510 kb/s DTS 6 canales | 23.97 fps
6,55 GB + 3% recuperación/recovery

El Espejo
En Zerkalo, el legendario realizador ruso Andrei Tarkovsky crea quizás su más profundo y atractivo film. Lo que comenzó siendo para Tarkovsky una serie de entrevistas con su propia madre evolucionó en una compleja y circular meditación sobre el amor, la lealtad, la memoria y la historia. El tiempo se alterna y las generaciones se funden a medida que una extraordinaria actriz (Margarita Terekhova) interpreta a la ex-esposa del narrador y a su madre a la vez. Los recuerdos de Tarkovsky así como los de su madre se mezclan en imágenes oscuras, suntuosas y oníricas de una Rusia pre-Segunda Guerra, acompañados de la voz del padre de Tarkovsky leyendo su propia poesía elegíaca. El espectáculo de la naturaleza y su presencia ubicua y eternamente mutante es capturado por la cámara de Tarkovsky como por acto de magia - la cabaña familiar situada en medio de los bosques, un granero en llamas en medio de una suave lluvia, un viento descomunal envolviendo a un hombre a medida que camina por un sembrado de maíz - todo ello creando imágenes indelebles con profundas y misteriosas resonancias. A medida que la línea del tiempo cambia entre la generación del narrador y la de su madre vemos material filmado de las guerras rusas, triunfos y desastres yuxtapuestos con imágenes imaginadas del pasado, presente y futuro, modelando un silencioso y lúcido panopticón de la memoria, la historia y la naturaleza.

Mirror
With Zerkalo, legendary Russian filmmaker Andrei Tarkovsky crafts perhaps his most profound and compelling film. What started off for Tarkovsky as a planned series of interviews with his own mother evolved into a lyrical and complex circular meditation on love, loyalty, memory, and history. Time shifts and generations merge as a single extraordinary actress (Margarita Terekhova) plays the narrator’s former wife as well as his mother. Tarkovsky's memories as well as those of his mother are intermingled as a dark, sumptuous, and dreamlike pre-World War II Russia is evoked, accompanied throughout by the voice of Tarkovsky’s father reading his own elegiac poetry. The spectacle of nature and its ubiquitous and ever-shifting presence is captured by Tarkovsky’s camera as if by magic--the family cabin nestled deep in the verdant woods, a barn on fire in the middle of a gentle rainstorm, a gigantic wind enveloping a man as he walks through a wheat field--all creating indelible images with deep if mysterious emotional resonance. As the timeline shifts between the narrator’s generation and his mother's, newsreel footage of Russian wars, triumphs, and disasters are juxtaposed with imagined scenes from the past, present, and future, crafting a silently lucid cinematic panopticon of memory, history, and nature. Rotten Tomatoes


 Blu-Ray rip de la edición Ruscico, gracias a EceAyhan (KG)
La nueva transferencia no es óptima, pero es lo que hay en HD.



* se incluyen subtítulos en japonés, chino, hebreo, búlgaro, croata, checo,  alemán, suomi, húngaro, neerlandés, polaco, eslovaco, serbio, gallego, griego, italiano, rumano, ruso, sueco, turco, persa y árabe.




Nuevos enlaces, gracias al esfuerzo de Don Belianís.

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Andrei Arsenevich en su blog

03 diciembre 2011

Bo Widerberg - Ormens väg på hälleberget (1986)

Sueco/Swedish | Subs: Castellano
99 min | XviD 592x400 | 657 kb/s | 224 kb/s mp3 | 25 fps
700 MB + 3% de recuperación rar

Tras el suicidio de su padre, Teah se entera de que la finca donde vive su familia pertenece a Ol Karlsa, el propietario de la tienda más importante de la región. Como no tiene dinero, él la obliga a acostarse con él como pago de la renta, una situación que se convierte en hábito y que perpetúa el hijo de Karlsa.

El sueco Bo Widerberg es el responsable de esta escalofriante adaptación de una novela de Torgny Lindgren acerca de la dignidad humana. A pesar de que no se trata de una película excesivamente conocida, es de gran interés y en su día, a mediados de los ochenta, tuvo una gran repercusión internacional, algo que han conseguido pocos cineastas suecos como Ingmar Bergman. Este duro drama es uno de los títulos más importantes del autor de La belleza de las cosas y Cochecito de niño, entre otras. El reparto es de lo más acertado y destaca la actriz Pernilla August (Las mejores intenciones, Pelle el conquistador), que después adquiría gran notoriedad.

"¿No sabes lo que es el interés?
¿No has leído la Biblia?
- Claro que la he leído.
- Entonces, lo sabes.
Cristo dijo que había
que cobrar interés.
Si no lo hacemos, cometemos un error.
Si tenemos deudas con Dios,
tenemos que pedirle perdón.
El interés es como el perdón.
No podemos pagarlo de una vez."

Nos complace traer un nuevo proyecto al sitio. Esta vez traemos una peli del sueco Bo Widerberg. No consta entre sus filmes más famosos pero constituye una obra de calidad excepcional. Más allá de sus méritos formales, hay que hacer hincapié en la historia que desarrolla, y es que fiel a sus principios, esos que le llevaron incluso a atacar a Bergman en su momento, el sueco ha vuelto a realizar una obra plena de crítica social, esta vez ha abordado la explotación económica y la dignidad humana. En un retrato inmisericorde dibuja la degradación y sufrimiento de una familia por parte del dueño de la casa donde habitan, como también del almacen del pueblo. Apunta dardos principalmente a la conceción de las deudas e intereses como elemento de sujeción, manipulación y degradación de la criatura humana, obstaculos a su realizción como individuo y las cadenas que constituyen a su libertad. Es una película muy dura, de las más duras en abordar el tema, pero a su vez necesaria, más aún en la actualidad, donde nada más nacer y ya estamos amarrados por las deudas.


Subtítulos en castellano, cortesía de eurídice

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Bo Widerberg en ArsenevichElvira Madigan
Ormens väg på hälleberget (1986)

29 noviembre 2011

Yasujiro Ozu - Ukigusa (1959)


Japonès | Subs:Castellano/English/Français/Portugués (muxed)
121 min | x-264 768x576 | 2100 kb/s  | 192 kb/s AC3  | 23.97 fps
1,97 GB
Una compañía de teatro llega a un pueblo al sur de Japón, donde el director se reencuentra con una antigua amante y su hijo, al que éste cree que es su tío. La actriz protagonista está celosa y para dejar en evidencia a su director, le dice a una compañera que intente seducir a su hijo.
Creo que fundamentalmente hay que entender UKIGUSA como una película en la que se ofrece un viaje de autoreconocimiento por parte del principal personaje de la película –nos estamos refiriendo a Komajuro, por más que la obra tenga un cierto carácter coral-. Esa sensación de retorno a un pasado, de saldar una cuenta con su propia conciencia tiene su referente más evidente en ese retorno hacia la que fue su principal amante y con la que mantuvo su único hijo. Pero es a partir de esa situación, que tendrá una gran importancia en el conjunto del film, la que dará pie a ese conjunto de disgresiones que conformarán el conjunto de una obra densa, sugerente, de gran serenidad y riqueza visual –como por otra parte es habitual en el cine de Ozu-, y en el que las tonalidades de su gama cromática irán evolucionando desde la claridad y alegría inicial, hacia una progresiva oscuridad y tonalidades tenues, hasta concluir en sus pasajes finales con un retorno a las claridades –esa imagen diurna con la que concluye la misma una vez Komajiro y Sumiko viajan de nuevo juntos en busca de un futuro-, volviendo a ese tono aparente optimista que había abandonado su segunda mitad.Pero al mismo tiempo, en esas imágenes se refleja –en ocasiones en una secuencia bien cotidiana-, el atavismo del papel tradicional de la mujer, de la madre japonesa, el sentido ritual de sus habitantes, el contraste y conflicto entre generaciones o la propia influencia occidental (el vestuario y el propio aspecto de Kiyoshi). Esa sensación de totalidad, de que cada encuadre, cada mirada, cada movimiento de los actores, cada mancha de color, está imbricado en diversas interpretaciones y sutiles pinceladas de pensamiento, apreciaciones y matices, se da de nuevo en esta obra de madurez de Ozu. Una película de la que cabe retener sus imágenes iniciales llenas de luminosidad, la nunca suficientemente valorada capacidad del realizador de saber introducir una secuencia con apenas unos breves planos que sirven de introducción a las principales secuencias o el encanto que tienes aquellas intersecciones que sirven para unir las diferentes secuencias –generalmente envueltas en una cálida melodía-. En el film que nos ocupa podríamos destacar los planos exteriores que nos muestran el colorido de las pancartas que anuncian el teatro, el discurrir de los miembros de las compañía por las áridas calles de la población acompañados de niños que se harían protagonistas de una de las últimas películas del realizador; la significación de los vestidos de los protagonistas; la herencia del kabuki que ofrecen los momentos de la representación; el sentido de catarsis que ofrece la llegada de una densa lluvia; la belleza que manifiestan los contraluces y las sombras en el momento en que Kiyoshi y Kayo descubren que realmente están enamorados...
Son toda una sucesión de instantes memorables, densos y sutiles al mismo tiempo, relacionados siempre unos en otros, a los que solo cabría oponer la presencia en algún momento de algún montaje abrupto entre la sucesión de una secuencia a otra –quizá algo que venga manifestado por algún corte ajeno al realizador-. En todo caso, que duda cabe que UKIGUSA es una obra de madurez y extraordinaria belleza, que hay que incluir por derecho propio entre las grandes obras de Yasujiro Ozu. (Cinema de Perra Gorda)
A troupe of traveling players arrive at a small seaport in the south of Japan. Komajuro Arashi, the aging master of the troupe, goes to visit his old flame Oyoshi and their son Kiyoshi, even though Kiyoshi believes Komajuro is his uncle. The leading actress Sumiko is jealous and so, in order to humiliate the master, persuades the younger actress Kayo to seduce Kiyoshi.
 "Las películas de Ozu, tan japonesas, son al mismo tiempo universales. He podido reconocer en ellas a todas las familias del mundo entero y también a mi propia familia. Para mí, el cine no ha estado nunca, ni antes ni después de Ozu, tan cerca de su destino y de su misión: ofrecer una imagen del hombre del siglo XX, una imagen útil, verdadera, en la que el ser humano no sólo pueda reconocerse sino ante todo que le permita aprender algo sobre su propio ser." Wim Wenders

Los fotogramas corresponden al rip anterior de menor resolución


Floating Weeds.part1.rar
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-o-
Yasujiro Ozu en Arsenevich

25 noviembre 2011

Jean Rouch - Petit à Petit (1971)

 Français | Subs: Castellano/English
92 min | XviD 720x576 (4:3) | 1812 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25.0 fps
1,24 GB
 http://www.imdb.com/title/tt0129303/

Damouré, qui dirige à Ayorou (Niger) avec Lam et Illo la société d'import-export Petit à petit décide de construire un « grand Building » dans son village. Il part à Paris pour voir « comment on peut vivre dans des maisons à étages ». Dans la capitale, il découvre les curieuses façons de vivre et de penser des Parisiens qu'il décrit dans des « Lettres persanes » envoyées régulièrement à ces compagnons, jusqu'à ce que ceux-ci, le croyant devenu fou, envoient Lam le rejoindre pour se rendre compte sur place...
Damouré, que junto con Lam e Illo dirige en Ayorou (Níger) la sociedad de importación-exportación Petit à Petit, decide construir un gran "Building" en su pueblo. Parte a París para ver "cómo se puede vivir en casas de varios pisos". En la capital, descubre las curiosas maneras de vivir y de pensar de los parisinos, que describirá en una suerte de "Cartas persas" enviadas regularmente a sus compañeros, hasta que éstos, creyéndolo loco, envían a Lam para que lo traiga de vuelta.
 
 
 Ce film peut-être vu comme la suite de Jaguar (1967), où Petit à petit était le nom du stand que Damouré et ses amis tenaient sur un marché. Le troisième volet devait s'intituler Grand à grand.
Le film a été monté initialement en une version de 4 heures, mais cette durée fut jugée trop longue pour pouvoir être exploitée en salle. La durée fut ramenée à 2 heure puis 1h36.
Este film puede ser visto como la secuela de Jaguar: los que estén familiarizados con aquella primera obra, recordarán que Petit à Petit ("Poco a Poco") era el nombre del puesto que Damouré y sus amigos habían instalado en un mercado de la Gold Coast. Rouch tenía idea de hacer un tríptico: la tercera parte iba a titularse Grand à Grand ("Mucho a Mucho").
El film fue montado inicialmente en versión de cuatro horas, pero tal duración fue considerada excesiva para un estreno comercial, siendo reducida a dos horas, y finalmente a una hora y media.
 
Les quelques intellectuels et artistes africains qui reprochaient à Rouch de les "filmer comme on analyserait les insectes" semblaient oublier la voix de Rouch en contrepoint, souvent vertement anti-colonialiste et qui témoignait d'un amour sans fin pour l'Afrique, à l'image de Petit à Petit, désopilant exercice de style surréaliste, retournant comme un gant les manies anthropologues et racistes des occidentaux envers le continent noir. Partisan d'une ethnologie partagée et fraternelle, Rouch était curieux de tout, et des avis des spectateurs africains en premier lieu, dont il écoutait les commentaires après projection pour remonter les films le lendemain en fonction des remarques récoltées. Profondément humain, et à l'écoute des autres, Rouch n'aura cessé de "suspendre des ponts entre les hommes" comme l'écrivait dans le Monde Jacques Mandelbaum, en conclusion de son magnifique hommage au cinéaste. Godard, encore, dans un même élan admiratif, ne disait-il pas de Rouch qu'il "n'avait pas volé son titre de carte de visite : chargé de recherche au Musée de l'Homme. Existe-t-il plus belle définition du cinéaste ?" (...)
Fasciné par les mystères de la brousse africaine, emporté par la magie des lieux et des sorciers africains, Rouch aura toujours su s'adapter à un continent qu'il est le seul à avoir si bien filmé. Aussi magnifique qu'il soit, Hatari de Hawks est un "film blanc" qui ne suscita jamais d'autres vocations que d'aller découvrir les rhinocéros de John Wayne au zoo le plus proche. Rouch, lui, est un artiste noir et blanc, qui entraîna dans son sillage une génération d'acteurs et de réalisateurs africains qui à leur tour firent découvrir leurs pays au monde occidental : Oumarou Ganda, formidable Edward G. Robinson dans Moi un Noir, tourna ensuite plusieurs films de premier ordre ; Safi Faye, actrice de Petit à Petit est encore aujourd'hui une réalisatrice reconnue et estimée au Sénégal.
Los intelectuales y artistas africanos que reprochaban a Rouch "filmar[los] como quien analizara insectos" parecían olvidar el contrapunto de la voz de Rouch, a menudo nítidamente anticolonialista y que daba testimonio de un amor infinito por Africa, a la imagen de Petit à Petit, desopilante ejercicio de estilo surrealista, que da vuelta como un guante a las manías antropológicas y racistas de los occidentales para con el continente negro. Partidario de una etnología compartida y fraternal, Rouch sentía curiosidad por todo, en primer lugar por las opiniones de los espectadores africanos, cuyos comentarios escuchaba tras la proyección, y tenía en cuenta para volver a montar los films al día siguiente. "Oyente" profundamente humano del otro, Rouch jamás dejó de "tender puentes entre los hombres", como escribía en Le Monde Jacques Mandelbaum, en la conclusión de su magnífico homenaje al cineasta. También Godard, en un mismo gesto admirativo, decía de Rouch que "no ha usurpado el título de su tarjeta de presentación: "Investigador del Museo del Hombre". ¿Existe más bella definición del cineasta?" (...)
Fascinado por los misterios del monte africano, transportado por la magia de los lugares y de los brujos africanos, Rouch sabrá siempre adaptarse a un continente que sólo él supo filmar tan bien. Por magnífica que sea, Hatari! de Hawks es un film "blanco" que no suscitará otra inquietud que la de trasladarse al zoológico más cercano para contemplar los rinocerontes de John Wayne. Rouch, en cambio, es un artista negro y blanco, cuyos rastros seguirá toda una generación de futuros actores y realizadores africanos que también develarán sus países a los ojos del mundo occidental: Oumarou Ganda, formidable Edward G. Robinson en Moi un Noir, rodó a continuación varios films de primer orden; Safi Faye, actriz de Petit à Petit, es en la actualidad una realizadora estimada y reconocida del Senegal.
 
Una narración que se vuelve delirio e invención constante en Poco a Poco (Petit à Petit, 1968-1970) y  Dioniso (Dyonisos, 1985). El cine-placer, como lo nombra el propio Rouch. Cine improvisado, en la línea de Yo, un negro y Jaguar, de la cual Poco a Poco se quiere continuación, recuperando al grupo de protagonistas que se había ya convertido en grupo habitual de colaboradores. Cine amateur en el mejor sentido, en donde se rechaza toda idea de maestría para abandonarse a un cine libre, que se crea en diálogo constante con sus colaboradores, y que se abre a la ocurrencia compartida, a interrupciones de todo tipo, que desarrolla una idea de creación comunitaria que -como apunta certeramente Angel Santos- nos hace pensar en el cine del último Pedro Costa. Obras que investigan el mito en presente, no como un atavismo propio de sociedades primitivas, tanto en la etnografía invertida de Poco a Poco, como a través de la recuperación del mito clásico en el taller experimental de Dioniso, un filme que remite claramente a los cruces de etnografía y surrealismo del círculo de Georges Bataille de los años 30. Eso sí, esta vez la comunidad que se crea es todo menos inconfesable, ni siquiera es una de esas comunidades torturadas que abundaron en el cine moderno, sino una comunidad gozosa de la que sin duda nos hubiera gustado formar parte.
Iván G. Ambruñeiras, Blogs & Docs


Rip y subtítulos castellanos propios.
 
Petit à Petit
(nuevos links cortesía de Don Belianís)
(subtítulos incluidos)
  
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Jean Rouch en Arsenevich

Moi un noir (1958)
Chronique d'un été (1960, con Edgar Morin)
Jaguar (1967)
Petit à Petit (1971)

28 octubre 2011

Asghar Farhadi - Jodaeiye Nader az Simin (2011)

A Separation / Nader y Simin, una separación
Farsi I Subs: English/Castellano (.srt)
117 min I mkv 720x384 I 1782 kb/s I 192 kb/s AC3 I 25.0 fps
1.47 Gb + 3% recuperación/recovery

http://www.imdb.com/title/tt1832382/

A couple has to make a decision to leave Iran to better the life of their child or to stay and take care of a parent suffering from Alzheimers; however, the couple's marriage may end in divorce. 
Cuando su mujer lo abandona, Nader toma a una joven señora para cuidar de su padre enfermo. Pero ésta está embarazada, y trabaja sin el permiso de su inestable marido. Así Nader deberá enfrentar una serie de problemas, acusaciones recíprocas y mentiras...
 
Nader y Simin, una separación, no tiene una puesta en escena especialmente elaborada o poco convencional, pero en la medida en que sostiene un nivel narrativo tan potente, su relato no da pausa. Esto se fundamenta no sólo en el hecho de que Farhadi combina una trama de hierro con inteligentes abstracciones morales, sino además en que presenta un panorama del Irán contemporáneo, el retrato de un país partido en dos. El mundo de una elite liberal, alejada de los cánones religiosos, resulta fundamentalmente ajeno al de una clase baja conservadora y profundamente religiosa. (...) Farhadi no podrá explicar cómo estas dos experiencias pueden compartir un mismo espacio, pero en los interrogantes filosóficos y políticos que plantea su fim despunta inevitablemente un discurso que podría contribuir a la solución del enigma.
Martin Gobbin, Texte zum Film
 
 

El cine de Farhadi es estratificado, y sin embargo, inmediato.
Enrico Azzano, Cine Clandestino

 
 
Le scénario passionnant d'Asghar Farhadi reflète l'humanité dans toute sa complexité. Complexité des relations homme-femme, non dits, attentes de l'un vis à vis de l'autre, souffrance de la fille prise en étau entre les deux, choix impossibles, les tenants et aboutissants d'une relation de couple moderne sont tous là, traités avec une justesse incroyable.
El apasionante guión de Asghar Farhadi refleja la humanidad en toda su complejidad. Complejidad de las relaciones hombre-mujer, de las cosas no dichas y de las expectativas recíprocas; sufrimiento de la hija con su conflicto entre dos alternativas imposibles; las peculiaridades de una relación de pareja moderna: está todo allí, tratado con una precisión impecable.
Olivier Bacheladr, Abus de Ciné
 
No es mi rip, creo que llegó por torrent anónimo, en un acto de fe mucho antes de que surgieran los subtítulos. Los ingleses hay que agradecérselos a Whymse, de KG, que los puso en circulación hace unos días. Los castellanos son propios, y salen de aquéllos.
 

Nader.Simin.part1.rar
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Nader.Simin.part2.rar
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Asghar Farhadi en Arsenevich
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  Jodaeiye Nader az Simin (2011)